Antoni Tàpies, Primer Congreso Nacional de Neuropediatría, 1982, Aguafuerte firmado y numerado a mano, 50 x 35 cm, edición de 100 ejemplares. Obra disponible en nuestro Art Shop.
Ante una pintura abstracta, muchas personas comienzan buscando algo reconocible: una figura, un paisaje, un objeto. A veces en el título aparece una pista. Otras veces, el cuadro se resiste y nos obliga a mirar de otra manera: seguir una línea, notar el peso de un color o descubrir cómo cambia una superficie según nos acercamos.
Ahí comienza buena parte del atractivo del arte abstracto. No hace falta descifrarlo como si escondiera una respuesta correcta. Se trata de observar qué hacen las formas, los colores, los materiales y los gestos, y de prestar atención a lo que provocan.
Índice de contenidos
- Qué es el arte abstracto y cómo surgió
- Historia del arte abstracto: del Suprematismo al Expresionismo Abstracto
- Características del arte abstracto: forma, color y emoción sin referente
- Movimientos dentro del arte abstracto y sus diferencias
- Arte abstracto contemporáneo: vigencia y nuevas tendencias
Lo que aprenderás en este artículo
- Qué es el arte abstracto, cómo surgió y cuáles son algunas de sus principales características.
- Cómo evolucionó a través de movimientos como el Suprematismo, el Expresionismo Abstracto, la abstracción geométrica y el informalismo.
- Cómo artistas como Willem de Kooning, Sonia Delaunay, Antoni Tàpies y Rafael Canogar exploraron distintos caminos dentro de la abstracción.
Al terminar este artículo: podrás entender mejor qué define al arte abstracto, reconocer algunas de sus principales corrientes y acercarte a una obra atendiendo a elementos como la forma, el color, la materia y el gesto.
Tiempo de lectura: 6 minutos | Nivel: introductorio | Para: amantes del arte y personas interesadas en comenzar o ampliar una colección
Qué es el arte abstracto y cómo surgió
El arte abstracto prescinde de una representación fiel de la realidad visible. En lugar de reproducir personas, lugares u objetos con precisión, trabaja con formas, colores, líneas, texturas y marcas gestuales. También puede partir de una imagen reconocible y simplificarla hasta que apenas quede su estructura esencial.
Su aparición no fue un instante aislado ni el logro de una sola persona. Durante las primeras décadas del siglo XX, artistas de distintos países comenzaron a explorar caminos similares. La exposición del MoMA Inventing Abstraction, 1910–1925 estudió esos años como una etapa decisiva en la formación internacional de la abstracción moderna, desarrollada a través de una red internacional que incluyó a figuras como Wassily Kandinsky, Piet Mondrian y Kazimir Malévich.
La expansión de la fotografía fue uno de los factores que modificaron la función tradicional de la pintura. Junto con el Cubismo, las nuevas teorías del color, la música, la espiritualidad y los intercambios internacionales, contribuyó a que numerosos artistas exploraran posibilidades distintas de la representación naturalista. La pregunta dejó de ser únicamente "¿qué representa esta obra?" y pasó a incluir "¿cómo funciona lo que estoy viendo?".
Historia del arte abstracto: del Suprematismo al Expresionismo Abstracto
Kazimir Malévich. Suprematism (Supremus No. 58), 1916, óleo sobre lienzo, 79,5 × 70,5 cm.
Uno de los primeros movimientos plenamente abstractos fue el Suprematismo, desarrollado por Kazimir Malévich desde aproximadamente 1913 y presentado públicamente como propuesta articulada en 1915.
El vocabulario suprematista se basaba en formas geométricas puras: cuadrados, círculos, cruces y líneas, organizadas sobre fondos generalmente claros. Malévich aspiraba a liberar la pintura de la representación de objetos y a construir un lenguaje basado en la relación autónoma entre formas, colores y lo que denominaba el sentimiento artístico puro.
Kandinsky, Composición 8 (Komposition 8), 1923. Óleo sobre lienzo, 140 x 201 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
En paralelo, Kandinsky exploró una abstracción más lírica y expresiva. Para él, incluso las composiciones más alejadas de la realidad conservaban un contenido emocional.
La comparación entre ambos artistas permite entender dos caminos que siguen presentes en la pintura abstracta: la construcción geométrica y la exploración expresiva de la forma y el color.
Décadas después, durante los años cuarenta y cincuenta, el Expresionismo Abstracto convirtió Nueva York en un centro fundamental del arte moderno. Dentro del movimiento coexistieron tendencias diferentes. Pollock y de Kooning desarrollaron composiciones dinámicas asociadas a la pintura gestual, mientras que Rothko trabajó con grandes campos cromáticos de carácter más contemplativo.
Willem de Kooning, Sin título (Litho 8), 1966. Litografía firmada a mano, 56,5 × 76 cm. Edición de 50 ejemplares. Obra disponible en nuestro Art Shop.
En obras como Sin título (Litho 8) se aprecian las líneas gestuales y los trazos dinámicos que caracterizan el lenguaje visual del artista. Esta pieza forma parte de un conjunto de siete litografías realizadas en 1966, cuyas ediciones fueron almacenadas poco después de su impresión y permanecieron prácticamente desconocidas durante décadas.
Características del arte abstracto: forma, color y emoción sin referente
Entre las principales características del arte abstracto está la autonomía de sus elementos visuales. Una línea puede dirigir la mirada. Una mancha puede crear tensión. Una combinación de colores puede transmitir calma, movimiento o inestabilidad sin necesidad de contar una historia.
Sonia Delaunay, Composition, 1965, Aguafuerte firmado y numerado a mano, 36 x 40 cm, edición de 100 ejemplares. Obra disponible en nuestro Art Shop.
Sonia Delaunay ofrece algunos de los ejemplos de arte abstracto más claros para entender el papel del color. Durante la década de 1910 investigó junto a Robert Delaunay los contrastes simultáneos: la manera en que la percepción de un color cambia e intensifica sus relaciones según los colores que lo rodean. Estas investigaciones fueron centrales en el desarrollo del Orfismo, un estilo abstracto influido por el Cubismo que Robert y Sonia Delaunay desarrollaron alrededor de 1912.
Estas obras seriadas nos recuerdan la importancia de conocer de cerca la numeración en la obra gráfica y aprender a coleccionar art prints con seguridad, protegiendo siempre el valor de nuestra inversión.
Mirar una obra abstracta pide tiempo. Conviene observarla primero desde cierta distancia y acercarse después para descubrir capas, texturas y accidentes. Quienes quieran trasladar esa experiencia a su propio espacio pueden explorar la sección de arte abstracto en nuestro Art Shop, una selección cuidada donde reunimos obras de algunos de los grandes referentes de la abstracción junto con propuestas de artistas contemporáneos.
Movimientos dentro del arte abstracto y sus diferencias
La abstracción contiene lenguajes muy distintos. La abstracción geométrica utiliza líneas definidas, retículas y formas regulares. Cuando esas formas se organizan en un espacio funcionan como elementos visuales autónomos, sin representar objetos reconocibles.
Rafael Canogar, P-27-10, 2014, Litografía firmada y numerada a mano, Tamaño: 55,7 x 81,5 cm, Edición de 100 ejemplares, 5 + 5 pruebas de taller + 10 Hors de commerce. Obra disponible en nuestro Art Shop.
El informalismo europeo tomó una dirección más física y espontánea. Incluyó tendencias como la pintura matérica, el tachismo y la abstracción lírica, y tuvo una presencia destacada durante los años cuarenta y cincuenta. En España, a partir de finales de los cincuenta, Rafael Canogar desarrolló una pintura vinculada al informalismo en la que la materia, el orden y la construcción desempeñaban un papel central. Esta tradición sentó las bases para el posterior auge de la abstracción española de las décadas siguientes, visible en figuras clave como los artistas españoles de los años 80.
El Expresionismo Abstracto norteamericano compartió ese interés por el gesto, aunque tendió a emplear lienzos monumentales y una ejecución más expansiva. Más adelante, el Minimalismo reaccionó frente a esa carga gestual mediante estructuras reducidas, repetición y una mayor austeridad formal.
Arte abstracto contemporáneo: vigencia y nuevas tendencias
El arte abstracto contemporáneo continúa renovándose a través de nuevas técnicas, materiales y formas de expresión. Los artistas actuales retoman los principios históricos de la abstracción y los reinterpretan desde perspectivas personales, conectadas con las inquietudes del presente.
Después de más de un siglo, la abstracción conserva su capacidad de sorprender. Puede ser geométrica o gestual, silenciosa o desbordante, precisa o accidental. Aprender a reconocer estas diferencias puede ayudar a elegir una obra de manera más consciente y personal.
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