Francisco de Goya, Capricho 10: El amor y la muerte, 1797-1799 (creación planchas), aguatinta, 29,9 x 20,8 cm, 5ª edición (1881-1886). Obra disponible en nuestro Art Shop
Elegir entre una obra figurativa y una abstracta suele ser una de las primeras decisiones de quien empieza a coleccionar. Algunas personas conectan de inmediato con un rostro, una escena o una figura reconocible. Otras se sienten atraídas por el color, la materia o la composición. Conocer las diferencias entre ambos lenguajes permite entender mejor qué nos interesa de una obra y qué lugar puede ocupar dentro de una colección.
Índice de contenidos
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Qué es el arte figurativo: definición y características
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Historia del arte figurativo: de las cuevas al siglo XX
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Arte figurativo vs arte abstracto: principales diferencias
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Corrientes dentro del arte figurativo: realismo, hiperrealismo y figuración expresiva
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Artistas figurativos contemporáneos de referencia
Lo que aprenderás en este artículo
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Qué es el arte figurativo, cuáles son sus principales características y cómo ha evolucionado desde las primeras representaciones prehistóricas hasta el arte del siglo XX.
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Qué diferencias existen entre arte figurativo y arte abstracto, y por qué la frontera entre ambos lenguajes puede ser flexible.
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Cómo se distinguen corrientes como el realismo, el hiperrealismo y la figuración expresiva, y cómo artistas como Andy Warhol, Alex Katz, Juan Genovés, Manolo Valdés y Jaume Plensa han abordado la figura desde perspectivas muy diferentes.
Al terminar este artículo: podrás reconocer las principales características del arte figurativo, diferenciarlo del arte abstracto y comprender mejor algunos de los caminos que ha seguido la figuración en el arte moderno y contemporáneo.
Tiempo de lectura: 7 minutos | Nivel: introductorio | Para: amantes del arte y personas interesadas en comenzar o ampliar una colección
Qué es el arte figurativo: definición y características
El arte figurativo representa elementos vinculados con el mundo visible, como personas, animales, objetos, paisajes o espacios cotidianos. La Tate señala que el término se utiliza especialmente para hablar del arte moderno que conserva referencias claras a la realidad y, con frecuencia, a la figura humana.
Esto no obliga al artista a pintar con exactitud fotográfica. Una figura alargada, fragmentada o construida con manchas sigue siendo figurativa cuando podemos identificar su relación con algo real. Esa libertad explica por qué la pintura figurativa puede resultar detallada y naturalista, pero también expresiva, fantástica o deliberadamente sencilla.
Entre las principales características del arte figurativo encontramos la presencia de formas reconocibles, un uso frecuente del retrato, el paisaje, el bodegón o la narración, distintos grados de fidelidad a la realidad y la posibilidad de simplificar, exagerar o distorsionar las formas.
Historia del arte figurativo: de las cuevas al siglo XX
Panel de los Leones en la Cueva de Chauvet-Pont-d’Arc, Ardèche, sur de Francia, descubierta en 1994.
La representación de figuras acompaña al ser humano desde la prehistoria. Las cuevas de Chauvet y Lascaux conservan imágenes de animales realizadas hace miles de años. En Europa y Asia también se han encontrado esculturas y grabados prehistóricos de seres humanos, animales y criaturas imaginadas.
Durante siglos, la figura fue esencial para contar historias religiosas, transmitir poder político, conservar la memoria de una persona o describir la vida diaria. El Renacimiento profundizó en el estudio de la anatomía y la perspectiva, mientras que movimientos posteriores ampliaron las posibilidades expresivas del retrato y el paisaje.
En el siglo XIX, el Realismo francés dirigió la mirada hacia la vida contemporánea. Artistas como Gustave Courbet representaron trabajadores, escenas rurales y asuntos cotidianos con una voluntad de observación directa. El movimiento se desarrolló aproximadamente desde la década de 1840 hasta finales del siglo XIX.
A comienzos del siglo XX, las vanguardias alteraron profundamente esta tradición. La figura continuó presente, aunque podía aparecer fragmentada, simplificada o cargada de tensión emocional. Cuando la abstracción ganó protagonismo, la palabra “figurativo” empezó a utilizarse con mayor frecuencia para identificar el arte que mantenía referencias visibles al mundo real.
Arte figurativo vs arte abstracto: principales diferencias
La diferencia más visible entre ambos lenguajes está en su relación con la realidad. En el arte figurativo encontramos personas, objetos o escenarios identificables. En el arte abstracto, esas referencias pueden simplificarse hasta resultar difíciles de reconocer o desaparecer por completo.
Aun así, la frontera puede ser flexible. Una figura puede construirse mediante planos geométricos, y un paisaje puede reducirse a manchas de color. Hay obras que se comprenden mejor como un diálogo entre figuración y abstracción que como miembros de una única categoría.
También cambia la forma de acercarnos a ellas. Ante una obra figurativa solemos comenzar por el tema: quién aparece, dónde se encuentra o qué está sucediendo. Después atendemos a las decisiones formales. Frente a una abstracción, el color, la composición y la materia suelen ocupar desde el principio el centro de la experiencia.
Ninguna de estas vías exige un mayor nivel de destreza o sensibilidad. Cada una plantea problemas distintos. El interés de la comparación arte figurativo vs arte abstracto consiste en reconocer qué herramientas utiliza el artista y cómo orienta nuestra mirada.
Al elegir arte para una colección, esta distinción sirve como orientación inicial. Una buena forma de descubrir tus preferencias consiste en observar varias obras y prestar atención a aquello que te hace detenerte. En nuestro Art Shop puedes ver ejemplos de arte figurativo y explorar propuestas de artistas lenguajes muy diferentes para comparar cómo cambia una misma tradición de una obra a otra.
Corrientes dentro del arte figurativo: realismo, hiperrealismo y figuración expresiva
Gustave Courbet, Les Casseurs de pierre, óleo sobre tela, 165 × 257 cm.
El figurativismo en el arte reúne enfoques muy variados. El realismo busca representar la vida y su contexto de manera directa. Históricamente, dio visibilidad a personas y temas que quedaban fuera de los asuntos considerados prestigiosos por las academias. Como mencionamos previamente, el término se asocia especialmente con Gustave Courbet y con el crítico Champfleury, que lo utilizó durante la década de 1840.
Chuck Close pintando un retrato de su amigo Mark Greenwold.
El hiperrealismo llevó la precisión visual a un nuevo nivel. El término apareció a comienzos de la década de 1970 para describir pinturas y esculturas de gran fidelidad, cercanas en ocasiones a la apariencia de una fotografía. Entre sus principales representantes destacan Chuck Close, Richard Estes y Audrey Flack.
La figuración expresiva concede más importancia a la emoción y a la experiencia subjetiva. El cuerpo puede deformarse, el color alejarse de la naturaleza y la pincelada hacerse visible con el objetivo de intensificar una sensación o una idea a través de la figura. El expresionismo del siglo XX convirtió estos recursos en una de sus principales herramientas. Algunos de sus referentes son Edvard Munch (precursor), Ernst Ludwig Kirchner y Egon Schiele.
Juan Genovés, Círculo Amarillo, 2003, Serigrafía firmada, fechada y numerada a mano, 80 x 80 cm, edición de 99 ejemplares. Obra disponible en nuestro Art Shop.
En los años sesenta se produjo, tanto en Europa como en Estados Unidos, una renovada atención a la figuración tras el predominio de distintas corrientes abstractas. En España, Juan Genovés participó de este retorno a la figura desde una perspectiva marcadamente social y política. Sus multitudes, personajes en movimiento y grupos contemplados desde puntos de vista elevados convirtieron el cuerpo colectivo en uno de los motivos más reconocibles de su obra.
Artistas figurativos contemporáneos de referencia
Alex Katz, Dog at duck trap, 1975, Litografía firmada a mano, 109 x 83 cm, edición de 90 ejemplares + 18 AP + 4 PE. Obra disponible en nuestro Art Shop.
La figuración contemporánea adopta formas muy distintas, desde la pintura hasta la escultura monumental. Alex Katz ha mantenido durante décadas una práctica centrada en la figura, el retrato y el paisaje. Sus composiciones se reconocen por las grandes áreas de color plano, los contornos definidos y la simplificación de los detalles. El Guggenheim destaca además su interés por captar experiencias visuales inmediatas, desde encuentros entre personas hasta los cambios de luz en el paisaje.
Manolo Valdés, Paolo, 2007, Grabado, 49 x 63 cm, edición de 50 ejemplares. Obra disponible en nuestro Art Shop.
En la obra de Manolo Valdés, la historia del arte se convierte en una fuente constante de imágenes y temas. Tras su etapa en Equipo Crónica, inició en 1981 su trayectoria individual, desarrollando pinturas y esculturas en torno al retrato, el desnudo, la naturaleza muerta y referencias a grandes maestros, especialmente Velázquez. La materia y la superficie tienen también un peso fundamental en su trabajo.
Jaume Plensa, Anónimos VI, 2005, Litografía firmada y numerada a mano, 66 x 100 cm, edición de 30 ejemplares. Obra disponible en nuestro Art Shop.
Jaume Plensa ha llevado la representación del cuerpo y, especialmente, del rostro humano a una escala monumental. Muchas de sus esculturas forman parte de espacios públicos de ciudades de todo el mundo. Su trayectoria demuestra cómo la figuración puede salir del cuadro y establecer una relación directa con la arquitectura y el espacio urbano.
Quienes quieran acercar este lenguaje a su entorno pueden explorar la sección de arte figurativo en nuestro Art Shop, una selección cuidada que reúne obras de grandes referentes junto con propuestas actuales.
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